{"id":2398,"date":"2026-03-20T18:41:51","date_gmt":"2026-03-20T22:41:51","guid":{"rendered":"https:\/\/lgontario.ca\/?page_id=2398"},"modified":"2026-03-26T12:07:41","modified_gmt":"2026-03-26T16:07:41","slug":"ensemble","status":"publish","type":"page","link":"https:\/\/lgontario.ca\/fr\/ensemble\/","title":{"rendered":"Ensemble"},"content":{"rendered":"

Exploration visuelle
\nCollection d’\u0153uvres d’art de l’Ontario<\/h3>\n

” Dans cet acte de partage, nous trouvons l’inspiration pour notre propre croissance et celle de nos communaut\u00e9s. ”
\n– Edith Dumont, lieutenante-gouverneure de l’Ontario<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

ENSEMBLE<\/em>\u00a0r\u00e9unit une s\u00e9lection de peintures des XXe et XXIe\u00a0si\u00e8cles issues de la Collection d’\u0153uvres d’art du gouvernement de l’Ontario. Cette exposition met en valeur la richesse de ce patrimoine public \u00e0 travers une mosa\u00efque de th\u00e8mes, de techniques et de regards. On y d\u00e9couvre des artistes aux parcours vari\u00e9s \u2014 notamment autochtones et francophones \u2014 illustrant la pluralit\u00e9 des voix artistiques en Ontario.<\/p>\n

Expos\u00e9es au rez-de-chauss\u00e9e et dans le bureau de la lieutenante-gouverneure, les \u0153uvres s’int\u00e8grent \u00e0 un lieu vivant, accueillant visites officielles et \u00e9v\u00e9nements rassemblant des invit\u00e9s de toute la province et du monde entier. Le titre ENSEMBLE<\/em> \u00e9voque cette rencontre entre \u0153uvres, personnes et id\u00e9es autour du langage universel de l’art.<\/p>\n

L’exposition invite chacune et chacun \u00e0 porter un regard personnel sur les \u0153uvres, \u00e0 partager ses impressions et \u00e0 prolonger la r\u00e9flexion au-del\u00e0 de la visite. Pour l’honorable Edith Dumont, lieutenante-gouverneure de l’Ontario, “\u2009L’art nous rassemble l\u00e0 o\u00f9 les mots parfois \u00e9chappent \u2014 il nous unit dans nos diff\u00e9rences et \u00e9claire la richesse de notre humanit\u00e9 partag\u00e9e.\u2009”<\/p>\n

Con\u00e7ue en \u00e9cho aux int\u00e9r\u00eats et \u00e0 la sensibilit\u00e9 de Mme Dumont, ENSEMBLE<\/em> met en lumi\u00e8re des th\u00e8mes qui lui sont chers\u00a0: la relation \u00e0 la nature, la vie urbaine, le vivre-ensemble, la beaut\u00e9 des identit\u00e9s entrelac\u00e9es ; et, comme en t\u00e9moigne l’\u0153uvre The Painted Flag<\/em> de Charles Pachter, l’identit\u00e9 canadienne.<\/p>\n

Cr\u00e9\u00e9e en 1853, la Collection d’\u0153uvres d’art du gouvernement de l’Ontario est la plus ancienne collection publique d’\u0153uvres d’art au pays. Elle regroupe plus de 2\u2009800\u00a0\u0153uvres originales, principalement r\u00e9alis\u00e9es par des artistes de la province. Gr\u00e2ce \u00e0 un programme de pr\u00eat, ces \u0153uvres sont expos\u00e9es dans divers lieux prestigieux, notamment les bureaux et \u00e9difices gouvernementaux ouverts au public.<\/em><\/p>\n

 <\/p>\n

\n

\"Don<\/p>\n

Rita Choy-Ng (d\u00e9c\u00e9d\u00e9e en 2014)<\/h3>\n

Don River at Night n\u00b0\u00a02, 2006<\/strong>
\nAcrylique fluide sur papier, puis sur toile
\n61 x 60,5 cm
\nDon de l’artiste en 2007<\/p>\n

Offrant une vue sereine de la rivi\u00e8re Don, cette \u0153uvre \u00e9voque la force tranquille du paysage \u00e0 travers une palette minimaliste en noir et blanc.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

\u00c0 propos de l’artiste :<\/strong> N\u00e9e en Chine, Rita Choy-Ng a suivi un parcours universitaire riche et \u00e9clectique, passant des sciences \u00e9conomiques \u00e0 l’Universit\u00e9 Lingnan de Canton, en Chine, aux beaux-arts \u00e0 l’Ontario College of Art, le tout ponctu\u00e9 de nombreux voyages \u00e0 travers le monde.<\/p>\n

\n

\"Opening<\/p>\n

Alan Stein<\/h3>\n

Opening Night, Parry Sound, 2004<\/strong>
\nCharbon de bois sur papier fait \u00e0 la main
\n55,6 x 76,2 cm
\nDon de l’artiste en 2007<\/p>\n

Travers\u00e9 de constellations, de com\u00e8tes et d’aurores bor\u00e9ales, ce paysage onirique c\u00e9l\u00e8bre le Festival of Sound, rendez-vous annuel de musique de chambre \u00e0 Parry Sound.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

\u00c0 propos de l’artiste :<\/strong> Peintre et graveur, Alan Stein privil\u00e9gie les techniques du pastel sur papier et de l’huile sur toile de lin. En 1998, il fonde la Church Street Press, o\u00f9 il imprime \u00e0 la main, sur une presse traditionnelle, des livres \u00e0 tirage limit\u00e9 rehauss\u00e9s de ses propres illustrations \u2014 grav\u00e9es sur bois de bout ou lithographi\u00e9es sur pierre \u2014 qui font de chaque ouvrage un objet d’art.<\/p>\n

Son \u0153uvre puise principalement son souffle dans les \u00e9t\u00e9s pass\u00e9s sur les rives de la baie Georgienne, dans les paysages de Terre-Neuve o\u00f9 il r\u00e9side, ou encore dans les horizons d\u00e9couverts au fil de ses voyages. Il en r\u00e9sulte des paysages imaginaires, souvent nocturnes, o\u00f9 s’entrelacent constellations, com\u00e8tes et aurores bor\u00e9ales.<\/p>\n

 <\/p>\n

\n

\"Sierra<\/p>\n

Audrey Elaine Garwood (d\u00e9c\u00e9d\u00e9e en 2004)<\/h3>\n

Sierra Magic, 1978<\/strong>
\nHuile sur toile
\n121,9 x 182,9 cm
\nDon de la famille de l’artiste en 2006<\/p>\n

Alliant un trac\u00e9 calligraphique affirm\u00e9 \u00e0 une palette sensible et instinctive, cette artiste \u00e9voque des paysages sauvages et isol\u00e9s d’Am\u00e9rique du Nord et d’Am\u00e9rique du Sud.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

\u00c0 propos de l’artiste :<\/strong> Audrey Garwood, peintre et graveuse chevronn\u00e9e n\u00e9e \u00e0 Toronto, a consacr\u00e9 une grande partie de sa vie \u00e0 voyager, souvent dans des r\u00e9gions sauvages et recul\u00e9es d’Am\u00e9rique du Nord et du Sud, \u00e0 la recherche de sujets d’inspiration. Dans les ann\u00e9es 1950, elle \u00e9tudie \u00e0 l’Ontario College of Art, \u00e0 l’Acad\u00e9mie royale des beaux-arts d’Amsterdam et \u00e0 La Grande Chaumi\u00e8re \u00e0 Paris. Elle devient la plus jeune participante \u2014 et la premi\u00e8re femme \u2014 \u00e0 recevoir le prix J. W. L. Forster de l’Ontario Society of Artists.<\/p>\n

Son style calligraphique, \u00e0 la fois direct et audacieux, conjugu\u00e9 \u00e0 une utilisation habile et subjective de la couleur, a valu \u00e0 son \u0153uvre une place dans de nombreuses collections publiques et priv\u00e9es, dont celles de la Art Gallery of Hamilton, de la Winnipeg Art Gallery et de la Robert McLaughlin Gallery \u00e0 Oshawa.<\/p>\n

 <\/p>\n

\n

\"Tree<\/p>\n

Christi Belcourt<\/h3>\n

Tree Spirits Leaving Before the Fire, 2024<\/strong>
\nStyle gicl\u00e9e sur papier d’archives fin
\n54 x 81,3 cm
\nAchet\u00e9 \u00e0 l’artiste en 2024<\/p>\n

S’inspirant de la tradition m\u00e9tisse du perlage aux motifs floraux, l’artiste peint en pointill\u00e9. De ses sujets \u00e9mergent des m\u00e9taphores de l’existence humaine, par lesquelles elle transmet une vari\u00e9t\u00e9 de messages : pr\u00e9occupations environnementales, biodiversit\u00e9, spiritualit\u00e9 et sensibilisation \u00e0 la culture m\u00e9tisse.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

\u00c0 propos de l’artiste :<\/strong> Christi Belcourt (apiht\u00e2wikosis\u00e2niskw\u00eaw \/ m\u00e2nitow s\u00e2kahikanihk) est une artiste visuelle, conceptrice, organisatrice communautaire, \u00e9cologiste, d\u00e9fenseure de la justice sociale, et une fervente adepte de l’apprentissage des langues ainsi que des th\u00e9matiques artistiques li\u00e9es \u00e0 la Terre. Ses \u0153uvres figurent dans de nombreuses collections publiques et permanentes \u00e0 travers l’Am\u00e9rique du Nord.<\/p>\n

Dans la lign\u00e9e de g\u00e9n\u00e9rations d’artistes autochtones, elle c\u00e9l\u00e8bre la beaut\u00e9 du monde naturel tout en explorant ses dimensions symboliques. S’inspirant de la tradition m\u00e9tisse du perlage floral, elle peint en pointill\u00e9. De ses sujets \u00e9mergent des m\u00e9taphores de l’existence humaine, \u00e0 travers lesquelles elle transmet divers messages portant notamment sur les enjeux environnementaux, la biodiversit\u00e9, la spiritualit\u00e9 et la sensibilisation \u00e0 la culture m\u00e9tisse.<\/p>\n

\n

\"Fry,<\/p>\n

David Griffin<\/h3>\n

Fry, c. 2003<\/strong>
\nHuile sur panneau de bois
\n112,9 x 123 cm
\nAchet\u00e9 en 2003<\/p>\n

L’\u0153uvre de l’artiste puise sa force dans des images inspir\u00e9es du monde naturel. La dynamique des motifs et des mouvements qui en \u00e9manent repose, selon elle, sur “\u2009un entrecroisement rythmique de muscles et de tendons\u2009”.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

Cette \u0153uvre a \u00e9t\u00e9 s\u00e9lectionn\u00e9e dans le cadre de l’exposition-concours A Celebration of Ontario Artists<\/em>, pr\u00e9sent\u00e9e \u00e0 l’occasion du 100e\u00a0anniversaire des Archives publiques de l’Ontario.<\/p>\n

\u00c0 propos de l’artiste :<\/strong> David Griffin est n\u00e9 \u00e0 Kingston, en Jama\u00efque, a grandi \u00e0 Montr\u00e9al, puis a v\u00e9cu et travaill\u00e9 \u00e0 New York. Inspir\u00e9 par l’effervescence de cette m\u00e9tropole cosmopolite, il devient peintre et obtient une ma\u00eetrise en beaux-arts \u00e0 l’Institut Pratt. Il vit et travaille actuellement \u00e0 Toronto.<\/p>\n

Son \u0153uvre puise son \u00e9nergie dans des images issues du monde naturel. La dynamique des motifs et des mouvements qui en d\u00e9coulent repose, selon l’artiste, sur “\u2009un entrecroisement rythmique de muscles et de tendons\u2009”.<\/p>\n

Les \u0153uvres de David Griffin ont fait l’objet de nombreuses expositions individuelles et collectives, et figurent dans des collections priv\u00e9es aux \u00c9tats-Unis, au Canada, en Europe et en Afrique.<\/p>\n

\n

\"High<\/p>\n

Eva Lewarne<\/h3>\n

High Park Pond, 2009<\/strong>
\nAcrylique sur toile
\n76,2 x 101,6 cm
\nDon de l’artiste en 2011<\/p>\n

L’\u00c9tang est un charmant plan d’eau nich\u00e9 au c\u0153ur de High Park, o\u00f9 l’on peut louer une barque et go\u00fbter \u00e0 un air de vacances sans quitter la ville. L’eau y est m\u00eame assez limpide pour qu’on s’y risque \u00e0 p\u00eacher. L’artiste, qui vivait tout pr\u00e8s, aimait s’y promener \u00e0 pied ou \u00e0 v\u00e9lo presque chaque jour, d\u00e8s que la m\u00e9t\u00e9o le permettait.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

\u00c0 propos de l’artiste :<\/strong> N\u00e9e en Pologne, Eva Lewarne vit \u00e0 Toronto depuis de nombreuses ann\u00e9es. Elle d\u00e9tient un baccalaur\u00e9at \u00e8s arts avec sp\u00e9cialisation en anglais et en psychologie de l’Universit\u00e9 de Toronto, ainsi qu’un dipl\u00f4me de l’Universit\u00e9 de l’\u00c9cole d’art et de design de l’Ontario. Elle a re\u00e7u une m\u00e9daille du Grand Prix lors d’un festival de peinture tenu \u00e0 Avignon, en France, et ses \u0153uvres ont \u00e9t\u00e9 expos\u00e9es au Grand Palais et \u00e0 la Sorbonne \u00e0 Paris, \u00e0 la Jadite Gallery \u00e0 New York, ainsi qu’\u00e0 l’ACA Gallery, \u00e0 l’Art Square Gallery et \u00e0 la Bezpala Brown Gallery \u00e0 Toronto.<\/p>\n

\n

\"The<\/p>\n

Eva Lewarne<\/h3>\n

The Travellers, 2011<\/strong>
\nAcrylique sur toile
\n122 x 91,4 cm
\nDon de l’artiste en 2011<\/p>\n

“\u2009\u00c9voquant l’\u00e9quilibre entre nature et vie urbaine, l’\u0153uvre d\u00e9peint deux voyageurs \u00e9pris de libert\u00e9, qui se sentent chez eux partout o\u00f9 les m\u00e8nent leurs p\u00e9r\u00e9grinations. Leur attrait pour le voyage et le nomadisme trouve en partie son origine dans leur statut d’\u00e9tranger. ”
\n– Eva Lewarne<\/em><\/strong><\/p><\/blockquote>\n

\u00c0 propos de l’artiste :<\/strong> N\u00e9e en Pologne, Eva Lewarne vit \u00e0 Toronto depuis de nombreuses ann\u00e9es. Elle d\u00e9tient un baccalaur\u00e9at \u00e8s arts avec sp\u00e9cialisation en anglais et en psychologie de l’Universit\u00e9 de Toronto, ainsi qu’un dipl\u00f4me de l’Universit\u00e9 de l’\u00c9cole d’art et de design de l’Ontario. Elle a re\u00e7u une m\u00e9daille du Grand Prix lors d’un festival de peinture tenu \u00e0 Avignon, en France, et ses \u0153uvres ont \u00e9t\u00e9 expos\u00e9es au Grand Palais et \u00e0 la Sorbonne \u00e0 Paris, \u00e0 la Jadite Gallery \u00e0 New York, ainsi qu’\u00e0 l’ACA Gallery, \u00e0 l’Art Square Gallery et \u00e0 la Bezpala Brown Gallery \u00e0 Toronto.<\/p>\n

\n

\"Untitled<\/p>\n

Pietro Adamo<\/h3>\n

Untitled (Apparition Series), 2012<\/strong>
\nTechniques mixtes sur panneau
\n60,9 x 91,4 cm
\nAchet\u00e9 en 2014<\/p>\n

Cette \u0153uvre propose une c\u00e9l\u00e9bration de l’admiration du peintre pour le “\u2009registre impr\u00e9visible et in\u00e9puisable de la vie\u2009”. L’artiste d\u00e9laisse la monotonie du rendu conventionnel de figures au profit de surfaces textur\u00e9es et de contours irr\u00e9guliers.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

\u00c0 propos de l’artiste :<\/strong> N\u00e9 \u00e0 Toronto en 1955, Pietro Adamo a men\u00e9 une carri\u00e8re artistique marqu\u00e9e par une exploration constante et un perfectionnement soutenu. Apr\u00e8s avoir obtenu un dipl\u00f4me en beaux-arts et en histoire de l’art \u00e0 l’Universit\u00e9 de Toronto et au Sheridan College d’Oakville (Ontario), il devient professeur d’art \u00e0 la Chaminade College School de Toronto, o\u00f9 il fonde un ambitieux d\u00e9partement des arts visuels. En l’espace de deux d\u00e9cennies, il s’impose comme un p\u00e9dagogue accompli, tout en r\u00e9alisant plusieurs commandes publiques et priv\u00e9es. \u00c0 partir de 1997, il se consacre enti\u00e8rement \u00e0 sa pratique artistique.<\/p>\n

Ses peintures offrent une c\u00e9l\u00e9bration abstraite de son admiration pour le “\u2009registre impr\u00e9visible et in\u00e9puisable de la vie\u2009”. Ses voyages nourrissent \u00e9galement son travail, en particulier ses s\u00e9jours en Italie, sur la terre de ses anc\u00eatres, o\u00f9 il explore aussi bien l’art monumental et l’architecture que les subtils d\u00e9tails du paysage rural.<\/p>\n

\n

\"Little<\/p>\n

Sandra Brewster<\/h3>\n

Little Girl Dancing 2, 2014<\/strong>
\nCharbon sur papier
\n72 x 52 cm
\nAchet\u00e9 \u00e0 l’artiste en 2015<\/p>\n

N\u00e9e de parents guyanais, l’artiste explore l’identit\u00e9, la repr\u00e9sentation et le mouvement \u00e0 travers le geste, en donnant forme \u00e0 des portraits r\u00e9imagin\u00e9s et \u00e0 des paysages m\u00e9taphoriques. Son travail refl\u00e8te les trajectoires migratoires du peuple carib\u00e9en et met en lumi\u00e8re une identit\u00e9 diasporique qui embrasse une pluralit\u00e9 de g\u00e9ographies et de temporalit\u00e9s.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

\u00c0 propos de l’artiste :<\/strong> \u00c9tablie \u00e0 Toronto, Sandra Brewster pratique le dessin, la peinture et les techniques mixtes. Son travail explore les notions d’identit\u00e9 et de repr\u00e9sentation, ainsi que le mouvement, \u00e0 travers la repr\u00e9sentation du geste comme moyen de red\u00e9finir le portrait. Elle utilise certains paysages pr\u00e9cis comme m\u00e9taphores et manipule d’anciennes photographies pour en recentrer les sujets. N\u00e9e de parents guyanais, elle fait r\u00e9f\u00e9rence, dans son \u0153uvre Life Series, \u00e0 la migration des Carib\u00e9ens de cette r\u00e9gion, sugg\u00e9rant une construction identitaire fond\u00e9e sur la multiplicit\u00e9 des g\u00e9ographies et des temporalit\u00e9s, et sur un sentiment d’appartenance propre \u00e0 la diaspora.<\/p>\n

Ses \u0153uvres ont r\u00e9cemment \u00e9t\u00e9 expos\u00e9es au Mus\u00e9e d’art de Rouyn-Noranda (2023), au Mus\u00e9e d’art contemporain de Chicago (2022-2023), \u00e0 la Power Plant Contemporary Art Gallery \u00e0 Toronto (2022), aux Rencontres d’Arles (2022), \u00e0 la Hartnett Gallery \u00e0 Rochester (2022), au Mus\u00e9e des beaux-arts de l’Ontario \u00e0 Toronto (2018-2022), ainsi qu’\u00e0 l’Or Gallery \u00e0 Vancouver (2019). Sa sculpture publique A Place to Put Your Things est pr\u00e9sent\u00e9e au Harbourfront Centre de Toronto.<\/p>\n

\n

\"Ski<\/p>\n

Sarah Martin<\/h3>\n

Ski Lesson avec Chevron, 2014<\/strong>
\nTechniques mixtes sur panneau
\n45,7 x 91,4 cm
\nAchet\u00e9 en 2015<\/p>\n

Cette \u0153uvre s’articule autour du concept de la m\u00e9moire. \u00c0 partir de photographies et de peintures d’\u00e9poque, l’artiste interroge les correspondances possibles entre souvenirs personnels et collectifs, \u00e0 travers leur ancrage dans des paysages, des portraits et des instants qui semblent familiers, bien que situ\u00e9s hors du temps.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

\u00c0 propos de l’artiste :<\/strong> Sarah Martin pratique l’art depuis plus de vingt ans et expose ses \u0153uvres tant au Canada qu’\u00e0 l’\u00e9tranger. Ses cr\u00e9ations ont \u00e9t\u00e9 pr\u00e9sent\u00e9es \u00e0 plusieurs reprises dans des \u00e9missions de HGTV, s\u00e9lectionn\u00e9es \u00e0 deux occasions pour d\u00e9corer la maison mod\u00e8le Princess Margaret con\u00e7ue par Brian Gluckstein, et mises en lumi\u00e8re dans les publications House and Home et Style at Home. Ses \u0153uvres font partie de nombreuses collections en Am\u00e9rique du Nord, notamment celles du comt\u00e9 de Simcoe, du Sunshine Banff Resort, de l’h\u00f4tel Hythe \u00e0 Vail (Colorado) et de l’h\u00f4tel Melrose \u00e0 Washington (D.C.).<\/p>\n

\n

\"Reaching<\/p>\n

Peter Du\u0161ek<\/h3>\n

Reaching [Hockley Valley, Ontario], 2017<\/strong>
\n\u00c9dition 4\/10 – Photographie imprim\u00e9e avec pigment d’archives
\n65,4 x 65,4 cm
\nDon de l’artiste en 2020<\/p>\n

Les jeunes branches de l’arbre principal s’\u00e9lancent verticalement, droites vers le ciel. Dans un monde en d\u00e9s\u00e9quilibre, elles rappellent l’importance de poursuivre ses id\u00e9aux, ses objectifs, ou simplement l’excellence.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

D\u00e9claration de l’artiste :<\/strong> Cette \u0153uvre repr\u00e9sente un arbre \u00e0 l’allure robuste, dress\u00e9 sur une colline enneig\u00e9e. Ni l’arbre ni la ligne d’horizon ne sont parfaitement droits. Apr\u00e8s quelques instants d’observation, l’\u0153il per\u00e7oit une lisi\u00e8re foresti\u00e8re discr\u00e8te, \u00e0 peine visible \u00e0 l’arri\u00e8re-plan. Les jeunes branches de l’arbre principal poussent verticalement, s’\u00e9lan\u00e7ant droit vers le ciel. Dans un monde en d\u00e9s\u00e9quilibre, cette verticalit\u00e9 \u00e9voque l’importance de poursuivre ses id\u00e9aux, ses objectifs, ou simplement l’excellence. La moiti\u00e9 inf\u00e9rieure de la composition, recouverte de neige, est enti\u00e8rement d\u00e9pourvue d’encre, \u00e0 l’exception du tronc qui descend vers le bas \u2014 laissant le papier nu \u2014 comme si l’arbre avait \u00e9t\u00e9 projet\u00e9 sur une toile vierge.<\/p>\n

Peter Du\u0161ek est un photographe canadien dont les \u0153uvres cherchent \u00e0 distiller le monde jusqu’\u00e0 son essence la plus pure. Accordant une attention particuli\u00e8re \u00e0 l’\u00e9quilibre et \u00e0 l’espace n\u00e9gatif, il poursuit une recherche constante du point d’harmonie entre le “\u2009trop\u2009” et le “\u2009trop peu\u2009”. Sa conception du minimalisme repose sur un principe clair\u00a0: “\u2009aussi peu que possible, autant que n\u00e9cessaire\u2009”. Ce parti pris conf\u00e8re \u00e0 ses paysages une qualit\u00e9 abstraite, empreinte de po\u00e9sie. Son style s’inscrit dans l’esth\u00e9tique japonaise du shibumi, ou “\u2009\u00e9l\u00e9gance tranquille\u2009”, o\u00f9 la simplicit\u00e9 devient le lieu d’une s\u00e9r\u00e9nit\u00e9 profonde \u2014 et parfois, d’un bonheur discret que l’on peine \u00e0 saisir.<\/p>\n

\n

\"Wind<\/p>\n

Warren Hoyano<\/h3>\n

Wind Through Pines 2, 2006<\/strong>
\nAquarelle sur papier
\n76,2 x 55,8 cm
\nDon de l’artiste en 2012<\/p>\n

Par sa palette restreinte, son trac\u00e9 \u00e9l\u00e9mentaire et son motif al\u00e9atoire, cette aquarelle \u00e9voque les ph\u00e9nom\u00e8nes \u00e9ph\u00e9m\u00e8res qui ponctuent notre quotidien.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

\u00c0 propos de l’artiste :<\/strong> Warren Hoyano vit \u00e0 Brampton, en Ontario, depuis plus de vingt ans. Aquarelliste passionn\u00e9, il se consacre presque exclusivement \u00e0 cette technique. Au fil de sa carri\u00e8re, il a remport\u00e9 de nombreux prix et particip\u00e9 \u00e0 un grand nombre d’expositions, tant individuelles que collectives.<\/p>\n

\n

\"Untitled<\/p>\n

Germinio Pio Politi<\/h3>\n

Untitled [Metropolis Reassembled], 2000
\nTechniques mixtes, fresque sur panneau
\n19,5 x 51 cm
\nDon de l’artiste en 2007<\/p>\n

R\u00e9alis\u00e9e en gesso sur panneau de bois et d\u00e9clin\u00e9e dans une palette monochrome de gris bleut\u00e9, cette \u0153uvre interroge la ville non comme un lieu d\u00e9fini, mais comme un artefact conceptuel de la modernit\u00e9. Sa composition, \u00e0 la fois rigoureuse et vacillante, ordonn\u00e9e et floue, traduit la tension entre la structure planifi\u00e9e et le d\u00e9sordre inh\u00e9rent \u00e0 l’exp\u00e9rience urbaine v\u00e9cue.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

Ici, l’architecture devient le vecteur d’un langage cod\u00e9\u00a0: un vocabulaire formel \u00e0 travers lequel l’artiste explore la fragmentation, la r\u00e9p\u00e9tition, et les limites de la repr\u00e9sentation \u00e0 saisir toute la complexit\u00e9 de la vie collective. Ce qui peut d’abord para\u00eetre minimal r\u00e9v\u00e8le une richesse de contradictions \u2014 un essai visuel sur la dissonance entre la ville id\u00e9ale et son image recompos\u00e9e.<\/p>\n

\u00c0 propos de l’artiste :<\/strong> N\u00e9 \u00e0 Brindisi, en Italie, en 1953, Germinio Pio Politi s’est \u00e9tabli au Canada en 1980. Il a \u00e9tudi\u00e9 \u00e0 l’Institut Lisippo de Tarente, en Italie, o\u00f9 il a obtenu un dipl\u00f4me d’\u00e9tudes artistiques en 1971. Membre de l’Ontario Society of Artists depuis 2006, il a particip\u00e9 \u00e0 de nombreuses expositions collectives, notamment \u00e0 la Kipling Gallery \u00e0 Woodbridge, \u00e0 la Joseph D. Carrier Art Gallery et au Studio 119 \u00e0 Toronto, \u00e0 la Glenhyrst Gallery of Brant \u00e0 Brantford (Ontario) et \u00e0 la New York Art Expo.<\/p>\n

\n

\"North<\/p>\n

Carol Westcott<\/h3>\n

North Channel Spring, 2010<\/strong>
\nAcrylique sur toile
\n45,7 x 45,7 cm
\nDon de l’artiste en 2020<\/p>\n

Inspir\u00e9e par les paysages accident\u00e9s du nord de la baie Georgienne, cette \u0153uvre prend sa source dans un voyage effectu\u00e9 dans la r\u00e9gion d’Elliot Lake, en Ontario, alors que le printemps tirait \u00e0 sa fin. Dans cette composition aux accents abstraits, les premi\u00e8res pousses de la saison se m\u00ealent aux derniers flocons de l’hiver, capturant l’essence de ce territoire \u00e0 un moment charni\u00e8re de l’ann\u00e9e.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

\u00c0 propos de l’artiste :<\/strong> Profond\u00e9ment marqu\u00e9e par son enfance en Ontario rural, Carol Westcott est une peintre paysagiste contemporaine qui travaille l’acrylique et les techniques mixtes pour repr\u00e9senter des environnements naturels ou construits.<\/p>\n

“\u2009Avoir grandi en Ontario rural m’a permis d’appr\u00e9cier tr\u00e8s t\u00f4t la terre et ses caprices. D\u00e8s mon plus jeune \u00e2ge, les paysages qui m’entouraient m’ont inspir\u00e9e \u2014 ce sont ceux que je continue de repr\u00e9senter dans mes \u0153uvres aujourd’hui,\u2009” a d\u00e9clar\u00e9 Westcott.<\/p>\n

\n

\"Bare<\/p>\n

Carol Westcott<\/h3>\n

Bare to Centre-Bare, 2010<\/strong>
\nAcrylique sur toile
\n40,6 x 81,2 cm
\nAchet\u00e9 en 2014<\/p>\n

“Inspir\u00e9e par les conditions routi\u00e8res hivernales de l’Ontario rural, cette \u0153uvre \u00e9voque une sc\u00e8ne famili\u00e8re\u00a0: une fine couche de neige recouvrant un paysage accident\u00e9, une chauss\u00e9e partiellement givr\u00e9e, et ce voile changeant qui caract\u00e9rise une saison que l’on aime tant raconter \u2014 ou parfois m\u00eame d\u00e9crier. L’hiver y est repr\u00e9sent\u00e9 comme une p\u00e9riode \u00e0 la fois aust\u00e8re et splendide, dans une vision l\u00e9g\u00e8rement abstraite du paysage ontarien. ”
\n– Carol Westcott<\/em><\/strong><\/p><\/blockquote>\n

\u00c0 propos de l’artiste :<\/strong> Profond\u00e9ment marqu\u00e9e par son enfance en Ontario rural, Carol Westcott est une peintre paysagiste contemporaine qui travaille l’acrylique et les techniques mixtes pour repr\u00e9senter des environnements naturels ou construits.<\/p>\n

“\u2009Avoir grandi en Ontario rural m’a permis d’appr\u00e9cier tr\u00e8s t\u00f4t la terre et ses caprices. D\u00e8s mon plus jeune \u00e2ge, les paysages qui m’entouraient m’ont inspir\u00e9e \u2014 ce sont ceux que je continue de repr\u00e9senter dans mes \u0153uvres aujourd’hui,\u2009” a d\u00e9clar\u00e9 Westcott.<\/p>\n

\n

\"Approach<\/p>\n

Diana Harding Tucker (d\u00e9c\u00e9d\u00e9e en 2022)<\/h3>\n

Approach of Winter, 2020<\/strong>
\nImpression pigmentaire sur papier de chiffon\u00a0Hahnem\u00fchle, pastels et aquarelle
\n41,15 x 96,52 cm
\nDon de la succession de l’artiste en 2024<\/p>\n

Cette \u0153uvre demeure le souvenir vivant d’une journ\u00e9e particuli\u00e8re. L’artiste \u00e9tait pr\u00e9sidente de l’Ontario Society of Artists.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

\u00c0 propos de l’artiste :<\/strong> Diana Harding Tucker \u00e9tait musicienne, photographe prim\u00e9e et artiste sp\u00e9cialis\u00e9e en techniques mixtes. Partag\u00e9e entre Montr\u00e9al et la ferme familiale de Knowlton, sa vie a nourri un profond attachement \u00e0 la nature, que l’on retrouve dans son travail, o\u00f9 des textures r\u00e9alistes se m\u00ealent souvent \u00e0 des formes et couleurs d’inspiration mystique. Ses \u0153uvres font partie de collections tant canadiennes qu’internationales, notamment celles des Archives publiques de l’Ontario. Elle a \u00e9t\u00e9 pr\u00e9sidente de l’Ontario Society of Artists, directrice du South Simcoe Arts Council et membre de la Soci\u00e9t\u00e9 canadienne des auteurs, compositeurs et \u00e9diteurs de musique (SOCAN).<\/p>\n

\n

\"Bruce<\/p>\n

Shannon Craig Morphew<\/h3>\n

Bruce Trail Rocks, 2013<\/strong>
\nHuile sur toile
\n101,6 x 101,6 cm
\nAchet\u00e9 en 2014<\/p>\n

Marqu\u00e9 par ses voyages au Canada et en Europe, le style tr\u00e8s \u00e9nergique et lin\u00e9aire de l’artiste conf\u00e8re \u00e0 son \u0153uvre une vision \u00e0 la fois personnelle et dynamique. Son approche distinctive se manifeste dans l’usage expressif de l’encre, des lavis \u00e0 l’huile et de touches \u00e9paisses de couleur.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

\u00c0 propos de l’artiste :<\/strong> Shannon Craig Morphew est n\u00e9e \u00e0 St. John’s, \u00e0 Terre-Neuve, en 1977. C’est l\u00e0 qu’elle d\u00e9couvre pour la premi\u00e8re fois la beaut\u00e9 brute des paysages canadiens, qui marquera profond\u00e9ment son imaginaire. Influenc\u00e9e par son p\u00e8re, le peintre Philip Craig, elle d\u00e9veloppe tr\u00e8s t\u00f4t une passion pour l’art, qui la m\u00e8ne au Sheridan College, puis \u00e0 l’Universit\u00e9 de l’\u00c9cole d’art et de design de l’Ontario, o\u00f9 elle obtient un baccalaur\u00e9at en beaux-arts en 2001.<\/p>\n

Paysages, figures et natures mortes sont interpr\u00e9t\u00e9s dans le style tr\u00e8s \u00e9nergique et lin\u00e9aire qui fait la renomm\u00e9e de l’artiste. Ses nombreux voyages, au Canada comme \u00e0 l’\u00e9tranger, ont nourri son regard et fa\u00e7onn\u00e9 une vision personnelle et dynamique de son art. L’utilisation expressive de l’encre, des lavis \u00e0 l’huile et de touches \u00e9paisses de couleur caract\u00e9rise sa d\u00e9marche picturale. Elle vit actuellement \u00e0 Ottawa et pr\u00e9sente r\u00e9guli\u00e8rement des expositions individuelles dans des galeries \u00e0 travers le Canada.<\/p>\n

\n

\"I<\/p>\n

Christi Belcourt<\/h3>\n

I Envy Their Freedom, 2024<\/strong>
\nStyle gicl\u00e9e sur papier d’archives fin
\n50,8 x 50,8 cm
\nAchet\u00e9 \u00e0 l’artiste en 2024<\/p>\n

S’inspirant de la tradition m\u00e9tisse du perlage aux motifs floraux, l’artiste peint en pointill\u00e9. De ses sujets \u00e9mergent des m\u00e9taphores de l’existence humaine, porteuses de messages vari\u00e9s : pr\u00e9occupations environnementales, biodiversit\u00e9, spiritualit\u00e9 et sensibilisation \u00e0 la culture m\u00e9tisse.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

\u00c0 propos de l’artiste :<\/strong> Christi Belcourt (apiht\u00e2wikosis\u00e2niskw\u00eaw \/ m\u00e2nitow s\u00e2kahikanihk) est une artiste visuelle, conceptrice, organisatrice communautaire, \u00e9cologiste, d\u00e9fenseure de la justice sociale, et une fervente adepte de l’apprentissage des langues ainsi que des th\u00e9matiques artistiques li\u00e9es \u00e0 la Terre. Ses \u0153uvres figurent dans de nombreuses collections publiques et permanentes \u00e0 travers l’Am\u00e9rique du Nord.<\/p>\n

Dans la lign\u00e9e de g\u00e9n\u00e9rations d’artistes autochtones, elle c\u00e9l\u00e8bre la beaut\u00e9 du monde naturel tout en explorant ses dimensions symboliques. S’inspirant de la tradition m\u00e9tisse du perlage floral, elle peint en pointill\u00e9. De ses sujets \u00e9mergent des m\u00e9taphores de l’existence humaine, \u00e0 travers lesquelles elle transmet divers messages portant notamment sur les enjeux environnementaux, la biodiversit\u00e9, la spiritualit\u00e9 et la sensibilisation \u00e0 la culture m\u00e9tisse.<\/p>\n

\n

\"Lake<\/p>\n

Janet Hendershot<\/h3>\n

Lake Storm No. 5, 2017<\/strong>
\nAcrylique et polym\u00e8res sur toile
\n35,6 x 40,6 cm
\nDon de l’artiste en 2020<\/p>\n

Le lac Ontario et ses temp\u00eates ont inspir\u00e9 de nombreuses \u0153uvres de l’artiste, dont Lake Storm No.\u00a05.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

\u00c0 propos de l’artiste :<\/strong> Les peintures de Janet Hendershot ont \u00e9t\u00e9 expos\u00e9es \u00e0 travers le Canada, ainsi qu’au Mexique, en Colombie, \u00e0 Londres (Angleterre) et \u00e0 Paris (France). Ses \u0153uvres ont repr\u00e9sent\u00e9 le Canada dans une exposition collective organis\u00e9e \u00e0 l’occasion des Jeux olympiques de 1976. Elles figurent dans des collections priv\u00e9es de collectionneurs et d’entreprises de renom, ainsi que dans des collections publiques telles que la Banque d’art, la Robert McLaughlin Gallery, la Gallery Stratford, les collections de l’Universit\u00e9 de Toronto, le McGibbon Centre, le Baycrest Centre et les Archives publiques de l’Ontario.<\/p>\n

Janet Hendershot a \u00e9t\u00e9 pr\u00e9sidente de l’Ontario Society of Artists et a re\u00e7u, en 2013, le prix du pr\u00e9sident de l’OSA pour son engagement et la qualit\u00e9 de sa pratique artistique. Elle continue de jouer un r\u00f4le actif au sein de la communaut\u00e9 artistique, notamment comme membre du conseil d’administration de la John B. Aird Gallery, \u00e0 Toronto, et de l’Ontario Society of Artists. En 2017, elle a re\u00e7u le prix Eleanor Besen, soulignant \u00e0 la fois sa carri\u00e8re d’artiste professionnelle et ses contributions \u00e0 la vie artistique.<\/p>\n

\n

\"Going<\/p>\n

Sarah Martin<\/h3>\n

Going for the Win, 2014<\/strong>
\nTechniques mixtes sur panneau
\n30,5 x 30,5 cm
\nAchet\u00e9 en 2015<\/p>\n

Cette \u0153uvre s’int\u00e9resse au concept de la m\u00e9moire. En s’appuyant sur des photographies et des peintures d’\u00e9poque, l’artiste examine les correspondances possibles entre souvenirs individuels et collectifs, \u00e0 travers leur association \u00e0 des paysages, des portraits et des sc\u00e8nes visuellement famili\u00e8res.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

\u00c0 propos de l’artiste :<\/strong> Sarah Martin pratique l’art depuis plus de vingt ans et expose ses \u0153uvres tant au Canada qu’\u00e0 l’\u00e9tranger. Ses cr\u00e9ations ont \u00e9t\u00e9 pr\u00e9sent\u00e9es \u00e0 plusieurs reprises dans des \u00e9missions de HGTV, s\u00e9lectionn\u00e9es \u00e0 deux occasions pour d\u00e9corer la maison mod\u00e8le Princess Margaret con\u00e7ue par Brian Gluckstein, et mises en lumi\u00e8re dans les publications House and Home et Style at Home. Ses \u0153uvres font partie de nombreuses collections en Am\u00e9rique du Nord, notamment celles du comt\u00e9 de Simcoe, du Sunshine Banff Resort, de l’h\u00f4tel Hythe \u00e0 Vail (Colorado) et de l’h\u00f4tel Melrose \u00e0 Washington (D.C.).<\/p>\n

\n

\"Two<\/p>\n

Sarah Martin<\/h3>\n

Two for the Black Diamond, 2014<\/strong>
\nTechniques mixtes sur panneau
\n30,5 x 30,5 cm<\/p>\n

Cette \u0153uvre s’int\u00e9resse au concept de la m\u00e9moire. En s’appuyant sur des photographies et des peintures d’\u00e9poque, l’artiste examine les correspondances possibles entre souvenirs individuels et collectifs, \u00e0 travers leur association \u00e0 des paysages, des portraits et des sc\u00e8nes visuellement famili\u00e8res.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

\u00c0 propos de l’artiste :<\/strong> Sarah Martin pratique l’art depuis plus de vingt ans et expose ses \u0153uvres tant au Canada qu’\u00e0 l’\u00e9tranger. Ses cr\u00e9ations ont \u00e9t\u00e9 pr\u00e9sent\u00e9es \u00e0 plusieurs reprises dans des \u00e9missions de HGTV, s\u00e9lectionn\u00e9es \u00e0 deux occasions pour d\u00e9corer la maison mod\u00e8le Princess Margaret con\u00e7ue par Brian Gluckstein, et mises en lumi\u00e8re dans les publications House and Home et Style at Home. Ses \u0153uvres font partie de nombreuses collections en Am\u00e9rique du Nord, notamment celles du comt\u00e9 de Simcoe, du Sunshine Banff Resort, de l’h\u00f4tel Hythe \u00e0 Vail (Colorado) et de l’h\u00f4tel Melrose \u00e0 Washington (D.C.).<\/p>\n

\n

\"9<\/p>\n

Jalani Morgan<\/h3>\n

9 Bats, 2019<\/strong>
\nPhotographie\u00a0: impression jet d’encre mont\u00e9e sur Dibond
\n81,3 x 121,9 cm
\nAchet\u00e9 \u00e0 l’artiste en 2024<\/p>\n

R\u00e9alis\u00e9e sur le terrain de baseball de l’enfance de l’artiste, au parc Scarborough Village, cette photographie saisit des instants de strat\u00e9gie, de ma\u00eetrise et de cr\u00e9ativit\u00e9. Par le recours \u00e0 la ”\u00a0ficto-historicisation\u00a0“, l’artiste cherche \u00e0 assurer la repr\u00e9sentation des communaut\u00e9s noires, leur permettant de se projeter pleinement dans le monde.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

Artist Statement:<\/strong> Jalani Morgan d\u00e9crit le baseball comme son premier amour, et 9\u00a0Bats<\/em> comme sa lettre d’amour. Cette \u0153uvre constitue la premi\u00e8re manche d’un projet en neuf parties. Les r\u00e9alisations ant\u00e9rieures de Jalani Morgan, notamment sa contribution au Temple de la renomm\u00e9e du baseball noir canadien, ne se contentent pas de rappeler les grandes figures des ann\u00e9es\u00a01930 et 1940\u00a0: elles s’efforcent de faire r\u00e9sonner une histoire largement absente du r\u00e9cit collectif. En documentant cette m\u00e9moire et en comblant ses silences par la ficto-historicisation, l’artiste cherche \u00e0 offrir repr\u00e9sentation et substance aux communaut\u00e9s noires, afin qu’elles puissent mieux se projeter dans le monde avec confiance et l\u00e9gitimit\u00e9. Pour 9\u00a0Bats<\/em>, Morgan collabore avec son neveu Cordell, \u00e2g\u00e9 de cinq ans, qui incarne le personnage de Devon C. Jones, jeune joueur de baseball prometteur.<\/p>\n

L’installation \u00e0 grande \u00e9chelle, compos\u00e9e de photographies, prend place au parc Scarborough Village \u2014 le terrain d’enfance de l’artiste \u2014 avec en toile de fond la ligne d’horizon de la banlieue et ses immeubles d’habitation. Ce d\u00e9cor ancre l’\u0153uvre dans un temps et un lieu bien pr\u00e9cis, tout en \u00e9voquant les multiples histoires du quartier. Dans cette narration visuelle, Devon re\u00e7oit un b\u00e2ton de baseball aux propri\u00e9t\u00e9s magiques. Repr\u00e9sentant \u00e0 la fois le pass\u00e9, le pr\u00e9sent et l’avenir, il domine le terrain gr\u00e2ce \u00e0 son talent inn\u00e9 et \u00e0 ce b\u00e2ton charg\u00e9 de promesses. \u00c0 travers son objectif, Jalani Morgan saisit des instants de strat\u00e9gie, de prouesse, de r\u00e9flexion et de cr\u00e9ativit\u00e9, rendus possibles par la motricit\u00e9, les sensations, et surtout la certitude d’\u00eatre vu.<\/p>\n

\u00c0 la fois ludique et profond\u00e9ment politique, 9\u00a0Bats r\u00e9v\u00e8le l’acuit\u00e9 photographique de Morgan, qui conjugue autobiographie et fiction pour imaginer un monde dans lequel les enfants comme Devon \u2014 ou Cordell \u2014 sont au c\u0153ur de l’action et non en marge.<\/p>\n

\n

\"The<\/p>\n

Thomas Sinclair<\/h3>\n

The Life Cycle of the Moose<\/strong>
\nAcrylique sur toile
\n121 x 56,75 cm
\nAchet\u00e9 en 2024<\/p>\n

Membre du Clan de la Tortue de la Premi\u00e8re Nation de Couchiching, situ\u00e9e sur le territoire vis\u00e9 par le trait\u00e9 no\u00a03, l’artiste transmet les l\u00e9gendes de son peuple en r\u00e9interpr\u00e9tant d’anciens pictogrammes et p\u00e9troglyphes. Form\u00e9 au symbolisme du style Woodland par Isadore Wadow, Thomas Sinclair est un gardien du savoir traditionnel, qui perp\u00e9tue l’h\u00e9ritage culturel de sa communaut\u00e9 \u00e0 travers son art.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

\u00c0 propos de l’artiste :<\/strong> Thomas Sinclair (Miiskwaabiik Maadjikawis) appartient au Clan de la Tortue et est membre de la Premi\u00e8re Nation de Couchiching, situ\u00e9e sur le territoire vis\u00e9 par le trait\u00e9 no\u00a03, dans le nord-ouest de l’Ontario. Gardien du savoir traditionnel, il transmet les l\u00e9gendes de son peuple en r\u00e9interpr\u00e9tant d’anciens pictogrammes et p\u00e9troglyphes diss\u00e9min\u00e9s dans la nature sauvage de l’Ontario.<\/p>\n

Sur la sc\u00e8ne internationale, il a particip\u00e9 \u00e0 plusieurs foires d’art contemporain, notamment \u00e0 Venise (Italie), Innsbruck (Autriche), Bruxelles (Belgique), Madrid (Espagne) et Londres (Angleterre). Il est \u00e9galement coorganisateur et coconcepteur du Tisiget Indigenous Art Project, une initiative qui vise \u00e0 promouvoir la pr\u00e9sence des artistes autochtones sur les grands march\u00e9s d’art au Canada.<\/p>\n

\n

\"Dark<\/p>\n

Robin Hesse<\/h3>\n

Dark Sky Moon, 2010<\/strong>
\nFusain et graphite sur papier
\n45,7 x 45,7 cm
\nDon de l’artiste en 2012<\/p>\n

L’artiste puise principalement son inspiration dans les r\u00e9serves de ciel \u00e9toil\u00e9 de l’Ontario, o\u00f9 il observe, \u00e0 l’aide d’un t\u00e9lescope, les \u00e9toiles, la lune et divers ph\u00e9nom\u00e8nes c\u00e9lestes qui nourrissent ses compositions.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

D\u00e9claration de l’artiste :<\/strong>Mon travail explore la po\u00e9sie et le pouvoir dramatique du ciel nocturne. Les \u00e9toiles naissent et meurent. Les lunes ne se s\u00e9parent jamais de leurs plan\u00e8tes. La Terre est appel\u00e9e “\u2009m\u00e8re\u2009”, tandis que les soleils sont qualifi\u00e9s de “\u2009nains\u2009” ou de “\u2009g\u00e9ants\u2009”. Le ciel nocturne peut \u00eatre per\u00e7u comme une toile de fond des \u00e9motions humaines, devenant ainsi une m\u00e9taphore saisissante\u00a0: \u00e9toiles, plan\u00e8tes, lunes et autres entit\u00e9s c\u00e9lestes y refl\u00e8tent nos comportements.<\/p>\n

Je puise mon inspiration principalement dans les r\u00e9serves de ciel \u00e9toil\u00e9 de l’Ontario, o\u00f9 j’observe les \u00e9toiles, la lune et divers ph\u00e9nom\u00e8nes c\u00e9lestes \u00e0 l’aide d’un t\u00e9lescope. Ces observations deviennent les sujets de mes compositions. \u00c0 l’instar des astronomes, qui attribuent acronymes et num\u00e9ros aux corps c\u00e9lestes nouvellement d\u00e9couverts pour mieux les identifier, j’ai d\u00e9velopp\u00e9 un syst\u00e8me de catalogage similaire pour mes dessins, incluant parfois un nom mn\u00e9monique propre \u00e0 chacun.<\/p>\n

Le ciel nocturne soul\u00e8ve d’innombrables questions sur la compr\u00e9hension humaine et notre place dans l’univers. Par mes dessins, j’esp\u00e8re offrir une repr\u00e9sentation de ces questions sans r\u00e9ponses.<\/p>\n

\n

\"Quietude,<\/p>\n

Maya Foltyn<\/h3>\n

Quietude, 2011<\/strong>
\nAcrylique, pastel, sable sur
\npanneau 44,2 x 190 cm
\nDon de l’artiste en 2012<\/p>\n

Inspir\u00e9e d’un souvenir lointain aux accents de r\u00eave, cette \u0153uvre ”\u00a0exprime un \u00e9tat de calme int\u00e9rieur devant l’approche d’un changement, et l’impossibilit\u00e9 d’en anticiper pleinement les cons\u00e9quences. La lumi\u00e8re en constitue l’\u00e9l\u00e9ment central\u00a0“.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

D\u00e9claration de l’artiste :<\/strong> Dans la s\u00e9rie Quietude, mes paysages abstraits \u00e9voquent une vision onirique n\u00e9e d’un souvenir lointain. Ils traduisent un \u00e9tat de calme int\u00e9rieur face \u00e0 un changement imminent, teint\u00e9 de l’incertitude quant \u00e0 ce qu’il apportera. La lumi\u00e8re y joue un r\u00f4le central. J’ai volontairement choisi une palette restreinte, en explorant des effets chatoyants vari\u00e9s. En rendant les lignes plus abstraites, j’applique des couches successives de peinture aux transparences multiples, combinant des surfaces mates et douces \u00e0 une grande vari\u00e9t\u00e9 de textures r\u00e9fl\u00e9chissantes, d\u00e9pos\u00e9es sur un fond textur\u00e9. Ces \u0153uvres semblent flotter sur le mur, leur apparence se transformant sans cesse au gr\u00e9 de la lumi\u00e8re qui les effleure.<\/p>\n

\n

\"Fruition,<\/p>\n

Charmaine Lurch<\/h3>\n

Fruition, 2009<\/strong>
\nAcrylique et fil de fer sur toile
\n91,44 x 121,92 cm
\nAchet\u00e9 \u00e0 l’artiste en 2018<\/p>\n

Par la peinture et le fil de fer en relief, l’artiste met en lumi\u00e8re la pr\u00e9sence ind\u00e9l\u00e9bile des communaut\u00e9s noires du Canada. Ses \u0153uvres cartographient l’habitat et traduisent un sentiment d’\u00eatre et d’appartenance, \u00e0 la fois limpide et pluriel. Ici, le jeune homme incarne le mouvement et l’\u00e9motion, r\u00e9v\u00e9lant une pr\u00e9sence active et r\u00e9solument entreprenante.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

D\u00e9claration de l’artiste :<\/strong> Ce travail entrem\u00ealant peinture et fil de fer en relief met en lumi\u00e8re la pr\u00e9sence ind\u00e9l\u00e9bile des communaut\u00e9s noires du Canada. Il cartographie l’habitat et incarne un sentiment d’\u00eatre et d’appartenance \u00e0 la fois simple et complexe. Ici, le jeune homme incarne le mouvement et l’\u00e9motion, r\u00e9v\u00e9lant une pr\u00e9sence active et entreprenante. \u00c0 l’aise dans son corps, en train de jouer et de mettre en pratique la th\u00e9orie, il d\u00e9construit les repr\u00e9sentations fig\u00e9es de l’identit\u00e9 noire tout en attirant l’attention sur sa sp\u00e9cificit\u00e9 raciale. Ces moments, exempts de contestation, transforment rythmes et ruptures en un \u00e9tat d’\u00eatre, d’appartenance et de gr\u00e2ce.<\/p>\n

\u00c0 propos de l’artiste :<\/strong> Charmaine Lurch est une artiste interdisciplinaire prim\u00e9e et une chercheuse en arts. Sa contribution \u00e0 la sc\u00e8ne artistique canadienne s’est fa\u00e7onn\u00e9e au fil d’un parcours riche, marqu\u00e9 par des exp\u00e9riences culturelles vari\u00e9es, des \u00e9tudes universitaires approfondies et une formation artistique rigoureuse. Ses recherches actuelles portent sur les effets du racisme anti-noir, notamment la mani\u00e8re dont il engendre l’invisibilisation et l’effacement des exp\u00e9riences et des actions des personnes racialis\u00e9es au sein de la soci\u00e9t\u00e9.<\/p>\n

Charmaine Lurch est titulaire d’une ma\u00eetrise en \u00e9tudes environnementales de l’Universit\u00e9 York, dipl\u00f4m\u00e9e du programme d’art et de design du Sheridan College, et elle a \u00e9galement \u00e9tudi\u00e9 \u00e0 l’Ontario College of Art & Design ainsi qu’\u00e0 la School of Visual Arts de New York. Son travail a \u00e9t\u00e9 expos\u00e9 dans plusieurs galeries, espaces et \u00e9v\u00e9nements, notamment au Mus\u00e9e royal de l’Ontario, lors de l’\u00e9v\u00e9nement Scotiabank Nuit Blanche, \u00e0 l’Universit\u00e9 de la Colombie-Britannique et \u00e0 la National Gallery of Jamaica. Elle a \u00e9galement collabor\u00e9 avec Inner City Angels, un organisme caritatif en \u00e9ducation artistique qui d\u00e9veloppe des approches novatrices pour sensibiliser les \u00e9coles de Toronto aux enjeux de justice sociale et d’environnement.<\/p>\n

\n

\"Demolish<\/p>\n

Joshim Kakegamic (d\u00e9c\u00e9d\u00e9e en 1993)<\/h3>\n

Demolish AP VI\/VII, 1977<\/strong>
\nS\u00e9rigraphie
\n38,1 x 52,7 cm
\nAchet\u00e9 \u00e0 l’artiste en 1977<\/p>\n

N\u00e9 \u00e0 Sandy Lake (Ontario) en 1952, Joshim Kakegamic a commenc\u00e9 \u00e0 peindre sous la supervision de Norval Morrisseau et de Carl Ray. Apr\u00e8s avoir d\u00e9couvert la s\u00e9rigraphie au Fanshawe College, il fonde, en 1973, une entreprise sp\u00e9cialis\u00e9e dans la s\u00e9rigraphie de haute qualit\u00e9, active jusqu’au d\u00e9but des ann\u00e9es\u00a01980, dans le but de promouvoir le contr\u00f4le artistique et l’autorepr\u00e9sentation des artistes autochtones.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

\u00c0 propos de l’artiste :<\/strong> Joshim Kakegamic (1952\u20131993) est n\u00e9 \u00e0 Sandy Lake, en Ontario. Il commence \u00e0 peindre \u00e0 la fin des ann\u00e9es\u00a01960, alors qu’il est encore adolescent, sous la supervision de son beau-fr\u00e8re ojibw\u00e9, Norval Morrisseau, et de l’artiste cri Carl Ray, tous deux actifs dans l’organisation d’ateliers dans les r\u00e9serves locales. En 1969, il participe \u00e0 une exposition collective \u00e0 North Bay, suivie d’une s\u00e9rie de pr\u00e9sentations dans divers lieux du nord-ouest de l’Ontario. Il poursuit sa pratique \u00e0 North Bay pendant deux ans avant de retourner \u00e0 Sandy Lake.<\/p>\n

Peu apr\u00e8s, il suit un atelier d’un mois au Fanshawe College, \u00e0 London (Ontario), o\u00f9 il d\u00e9couvre les possibilit\u00e9s offertes par la s\u00e9rigraphie. Cette exp\u00e9rience le pousse \u00e0 r\u00e9fl\u00e9chir s\u00e9rieusement \u00e0 la viabilit\u00e9 d’une carri\u00e8re artistique, tant pour lui que pour d’autres artistes autochtones. En 1973, avec l’aide de ses fr\u00e8res Goyce et Henry, ainsi que de leur p\u00e8re David, il fonde une entreprise de s\u00e9rigraphie connue sous le nom de Triple K Cooperative, inspir\u00e9e d’un mod\u00e8le mis en place par l’artiste Daphne Odjig en 1970\u00a0: Indian Prints of Canada Ltd.<\/p>\n

Les \u0153uvres de Joshim Kakegamic font aujourd’hui partie de collections publiques et priv\u00e9es, tant au Canada qu’\u00e0 l’\u00e9tranger, dontla Collection d’art de l’Universit\u00e9 Simon Fraser, la Collection McMichael d’art canadien et le Mus\u00e9e royal de l’Ontario.<\/p>\n

\n

\"Conjurors<\/p>\n

Joshim Kakegamic (d\u00e9c\u00e9d\u00e9e en 1993)<\/h3>\n

Conjurors AP II\/III, 1975<\/strong>
\nS\u00e9rigraphie
\n76,2 x 55,9 cm
\nAchet\u00e9 \u00e0 l’artiste en 1977<\/p>\n

N\u00e9 \u00e0 Sandy Lake (Ontario) en 1952, Joshim Kakegamic a commenc\u00e9 \u00e0 peindre sous la supervision de Norval Morrisseau et de Carl Ray. Apr\u00e8s avoir d\u00e9couvert la s\u00e9rigraphie au Fanshawe College, il fonde, en 1973, une entreprise sp\u00e9cialis\u00e9e dans la s\u00e9rigraphie de haute qualit\u00e9, active jusqu’au d\u00e9but des ann\u00e9es\u00a01980, dans le but de promouvoir le contr\u00f4le artistique et l’autorepr\u00e9sentation des artistes autochtones.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

\u00c0 propos de l’artiste :<\/strong> Joshim Kakegamic (1952\u20131993) est n\u00e9 \u00e0 Sandy Lake, en Ontario. Il commence \u00e0 peindre \u00e0 la fin des ann\u00e9es\u00a01960, alors qu’il est encore adolescent, sous la supervision de son beau-fr\u00e8re ojibw\u00e9, Norval Morrisseau, et de l’artiste cri Carl Ray, tous deux actifs dans l’organisation d’ateliers dans les r\u00e9serves locales. En 1969, il participe \u00e0 une exposition collective \u00e0 North Bay, suivie d’une s\u00e9rie de pr\u00e9sentations dans divers lieux du nord-ouest de l’Ontario. Il poursuit sa pratique \u00e0 North Bay pendant deux ans avant de retourner \u00e0 Sandy Lake.<\/p>\n

Peu apr\u00e8s, il suit un atelier d’un mois au Fanshawe College, \u00e0 London (Ontario), o\u00f9 il d\u00e9couvre les possibilit\u00e9s offertes par la s\u00e9rigraphie. Cette exp\u00e9rience le pousse \u00e0 r\u00e9fl\u00e9chir s\u00e9rieusement \u00e0 la viabilit\u00e9 d’une carri\u00e8re artistique, tant pour lui que pour d’autres artistes autochtones. En 1973, avec l’aide de ses fr\u00e8res Goyce et Henry, ainsi que de leur p\u00e8re David, il fonde une entreprise de s\u00e9rigraphie connue sous le nom de Triple K Cooperative, inspir\u00e9e d’un mod\u00e8le mis en place par Daphne Odjig en 1970\u00a0: Indian Prints of Canada Ltd.<\/p>\n

Les \u0153uvres de Joshim Kakegamic font aujourd’hui partie de collections publiques et priv\u00e9es, tant au Canada qu’\u00e0 l’\u00e9tranger, dont la Collection d’art de l’Universit\u00e9 Simon Fraser, la Collection McMichael d’art canadien et le Mus\u00e9e royal de l’Ontario.<\/p>\n

\n

\"Dilo,<\/p>\n

Mique Michelle<\/h3>\n

Dilo, 2021<\/strong>
\nTechniques mixtes, graffiti
\n137,16 x 243,84 cm<\/p>\n

Dilo se r\u00e9approprie les noms autochtones des Grands Lacs, nous invitant \u00e0 reconna\u00eetre la puissance de la d\u00e9nomination \u00e0 travers la tradition orale transmise par les membres de la communaut\u00e9. Sa peinture murale, o\u00f9 des \u00e9tendues de terre aux teintes pastel contrastent avec des lacs d’un bleu profond, c\u00e9l\u00e8bre le m\u00e9tissage de la langue et du territoire, tout en transcendant les racines urbaines du graffiti.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

M\u00e9lange d’encre, de crayon et de peinture sur papier, cette \u0153uvre met en lumi\u00e8re la ma\u00eetrise du graffiti par Mique Michelle, dont la pratique est reconnue \u00e0 l’\u00e9chelle internationale pour sa puissance et sa vivacit\u00e9. Misant sur la force expressive du tag, Dilo fait r\u00e9f\u00e9rence aux noms autochtones des lacs que l’on d\u00e9signe aujourd’hui comme les Grands Lacs. L’artiste pose une question essentielle\u00a0: comment pr\u00e9tendre \u00eatre un alli\u00e9 ou un protecteur de l’eau si l’on ne respecte m\u00eame pas son nom d’origine? Dans cette \u0153uvre, Mique Michelle s’\u00e9loigne des racines r\u00e9solument urbaines du graffiti pour explorer l’importance de la tradition orale, ici repr\u00e9sent\u00e9e par Gary Martin, Kristin Murray, Gerry Brandon et Sophie McKeown, dans l’attribution ou la modification des toponymes. Par cette abstraction visuelle, les masses d’eau sont rendues dans un bleu profond qui contraste fortement avec une terre trait\u00e9e dans une palette pastel de roses, jaunes, verts et orang\u00e9s. Pour l’artiste, cette murale incarne “\u2009le chevauchement et le m\u00e9tissage de la terre et de la langue\u2009”, rendant hommage aux noms et aux savoirs qui existaient bien avant l’implantation des milieux urbains et des structures ayant donn\u00e9 naissance au graffiti.<\/p>\n

Cette d\u00e9claration a \u00e9t\u00e9 r\u00e9dig\u00e9e par le conservateur Mark V. Campbell dans le cadre de l’exposition Quand m\u00eame, ts\u00e9\u00a0: la r\u00e9silience esth\u00e9tique de l’art visuel hip-hop, pr\u00e9sent\u00e9e en 2022 par le Conseil des arts du Canada.<\/p>\n

\u00c0 propos de l’artiste :<\/strong> Mique Michelle est une artiste franco-ontarienne originaire de Nipissing Ouest. Elle utilise le graffiti pour sensibiliser les gens \u00e0 l’oppression v\u00e9cue par les minorit\u00e9s visibles et invisibles. Convaincue que les arts muraux, \u00e0 l’instar des autres \u00e9l\u00e9ments de la culture hip-hop, peuvent contribuer \u00e0 combattre la discrimination, elle int\u00e8gre \u00e0 sa pratique un profond ancrage territorial. Son attachement au Nord et ses racines nordiques transparaissent dans le choix de ses sujets et de ses palettes chromatiques.<\/p>\n

\n

\"Frontier<\/p>\n

Joseph Muscat<\/h3>\n

Frontier #44 Ground Break, 1989<\/strong>
\nAcrylique sur papier sur carton
\n101,6 x 132 cm
\nDon de l’artiste en 2012<\/p>\n

L’artiste saisit l’essence des r\u00e9gions \u00e9loign\u00e9es du Canada \u00e0 travers le motif d’une cabane solitaire, symbole de la pr\u00e9sence humaine au c\u0153ur de la nature sauvage. Cette structure g\u00e9om\u00e9trique, ancr\u00e9e dans un paysage bucolique, incarne \u00e0 la fois l’esprit du territoire nordique et la r\u00e9flexion de l’artiste sur l’identit\u00e9 canadienne.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n

D\u00e9claration de l’artiste :<\/strong> En 1989, j’ai entrepris un long voyage en train jusqu’\u00e0 Moosonee, \u00e0 l’extr\u00e9mit\u00e9 sud de la baie James. J’avais toujours nourri le d\u00e9sir de d\u00e9couvrir les r\u00e9gions les plus septentrionales de l’Ontario, et ce p\u00e9riple a non seulement combl\u00e9 ma curiosit\u00e9, mais il m’a \u00e9galement submerg\u00e9 d’images. L’une d’elles, en particulier, m’est rest\u00e9e\u00a0: celle d’une cabane solitaire, symbole de la pr\u00e9sence humaine au c\u0153ur de la nature sauvage, et de l’incarnation de l’esprit des r\u00e9gions \u00e9loign\u00e9es qui habite tant d’Ontariens. Ce motif de la cabane isol\u00e9e allait devenir la forme visuelle la plus r\u00e9currente de mon r\u00e9pertoire artistique. Structure g\u00e9om\u00e9trique et stable, elle s’est impos\u00e9e comme une repr\u00e9sentation tot\u00e9mique de ce que j’\u00e9prouve profond\u00e9ment en tant que Canadien. Dans Frontier #44, Ground Break, cette cabane in\u00e9branlable s’\u00e9l\u00e8ve dans un cadre bucolique et paisible, entour\u00e9e de cultures et d’arbres baign\u00e9s par la lumi\u00e8re \u00e9ph\u00e9m\u00e8re de l’\u00e9t\u00e9.<\/p>\n

\n

\"The<\/p>\n

Charles Pachter<\/h3>\n

The Painted Flag<\/strong>
\nAcrylique sur toile
\n80 x 80 cm
\nDon de l’artiste<\/p>\n

“\u2009En 1980, j’ai commenc\u00e9 \u00e0 peindre notre drapeau \u00e0 la feuille d’\u00e9rable, flottant au gr\u00e9 du vent et baign\u00e9 de lumi\u00e8re. Ce fut le d\u00e9but d’un attachement passionn\u00e9 \u00e0 une image famili\u00e8re \u2014 un attachement qui perdure depuis des d\u00e9cennies. Variations sur un th\u00e8me serait une juste mani\u00e8re de d\u00e9crire l’\u00e9motion visuelle que je ressens encore en peignant ce merveilleux embl\u00e8me.\u2009”
\n– Charles Pachter<\/em><\/strong><\/p><\/blockquote>\n

\u00c0 propos de l’artiste :<\/strong> Charles Pachter est un artiste canadien polyvalent et tr\u00e8s estim\u00e9, dont l’\u0153uvre color\u00e9e m\u00eale humour, irr\u00e9v\u00e9rence et symbolisme profond\u00e9ment ancr\u00e9 dans l’imaginaire collectif. Peintre, graveur, sculpteur, designer et auteur, il est dipl\u00f4m\u00e9 de l’Universit\u00e9 de Toronto et de la Sorbonne (Paris). Officier de l’Ordre du Canada et chevalier de l’ordre des Arts et des Lettres de France, il a re\u00e7u \u00e0 deux reprises la M\u00e9daille du jubil\u00e9 de la Reine. Il est \u00e9galement titulaire de doctorats honorifiques d\u00e9cern\u00e9s par l’Ontario College of Art & Design, l’Universit\u00e9 de Toronto et l’Universit\u00e9 Brock. Ses \u0153uvres figurent dans de nombreuses collections publiques et priv\u00e9es \u00e0 travers le monde.<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

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